¿Cuáles son los flujos de trabajo y los procesos paso a paso de famosos dibujantes y dibujantes de cómics?

Aquí hay un artículo que escribí sobre mi proceso actual: La creación del cómic Peak Oil # 4: mi proceso paso a paso Pero admito que escatimo en los detalles que estoy buscando aprender con esta pregunta de Quora.

Con esta respuesta, expandiré mi sección “Paso 6” de la publicación de blog anterior.

  • Utilizo mi Wacom Cintiq 24HD para dibujar en Adobe Photoshop CS4, en Windows 8.
  • Dibujo en mesas de trabajo de 600 ppp. Anteriormente dibujaba en mesas de trabajo de 300 ppp, pero sentía que esta resolución era demasiado baja para que Photoshop registrara con precisión algunas de mis pinceladas más pequeñas.
  • Mi mesa de trabajo está configurada en tamaño ISO 216 (A4), más un margen adicional de 3 mm alrededor de la parte superior, inferior y uno de los bordes.
    Hago esto porque tengo la intención de imprimir mis cómics algún día, y algunas de mis ilustraciones sangran hasta el borde de la página. por ejemplo, el tren de vapor en las páginas 14-15 aquí: http://www.stuartmcmillen.com/co… En mi computadora, en realidad, he sobredibujado ilustraciones adicionales que no se muestran en la versión de ese sitio web. Cuando llegue el momento de imprimir el libro, la impresora imprimirá la página SRA4 de gran tamaño y luego recortará el exceso de material gráfico, dejando un efecto de “material gráfico que se extiende hasta el borde” de la página A4.
  • Utilizo los sangrados de 3 mm porque en una etapa estaba considerando usar la empresa de impresión a pedido Lightning Source para imprimir mi libro, y utilicé su página de guía de creación de archivos en lightningsource.com para planificar mis márgenes.
  • Uso Photoshop CS4 para dibujar todo mi arte lineal a través de mi Wacom Cintiq.
  • (Actualmente estoy teniendo una verdadera frustración al ver los trazos de pincel que se muestran en Photoshop para que coincidan con los movimientos que hago con mi lápiz. Por ejemplo, si dibujo una línea diagonal en la pantalla, a menudo habrá pequeños ‘meneos’ a lo largo de la línea A menudo tengo que dibujar y volver a dibujar la línea 4 o 5 veces antes de que coincida con lo que pretendía dibujar. ¿Alguna sugerencia sobre cuál podría ser el problema?)
  • Una vez que estoy satisfecho con el arte lineal en blanco y negro dentro de Photoshop, abro mis ‘storyboards’ de Adobe Illustator que describo en el Paso 4 de mi publicación de blog: La creación del cómic Peak Oil # 4: mi proceso paso a paso
  • Este archivo de Adobe Illustrator (guardado como .pdf) contiene todos los bordes y el texto de mi cómic. Dejo caer la ilustración en una capa separada y luego uso la función “Live Trace” -> “Simple Trace” de Adobe Illustrator CS4 como se muestra en este video:
  • (Esta función ahora se conoce como “Rastreo de imágenes” en Adobe Illustrator Creative Cloud. Sin embargo, parece faltar muchas de las configuraciones clave de CS4, incluido el preajuste “Rastreo simple” que aparece en el video de YouTube anterior. Cualquiera sabe algo de cómic ajustes preestablecidos amigables con el arte que podrían usarse con Illustrator CC?)
  • Sí, este proceso de seguimiento convierte mi obra de arte de ráster a vector.
  • Esta es la parte de mi proceso que estoy cuestionando actualmente. Es genial tener todo mi arte lineal compilado en un solo archivo de Adobe Illustrator. por ejemplo, mi cómic Peak Oil de 120 páginas (cómic Peak Oil – cómics Stuart McMillen) se guarda en mi computadora en un solo archivo de Illustrator de 89 paneles. Mucho más limpio que 89 archivos separados de Photoshop.
  • Esto es muy útil, pero el “rastreo” de mi obra de arte simplifica notablemente mi obra de arte durante el proceso de ráster -> vector. (Similar a lo que se muestra en el video anterior en la marca 1:20). A veces esto lleva a resultados positivos (una especie de calidad de ‘suavizado’ que iguala el carácter de mi línea de arte y crea una separación clara entre blanco y negro).
    Otras veces, omite bonitos detalles sutiles de los dibujos originales de Photoshop.
  • Mi razón original para vectorizar mi obra de arte fue para poder tener un solo archivo que contiene todo mi cómic, que tenía un tamaño perfectamente escalable. En lugar de una imagen de Photoshop con una resolución determinada que sea adecuada solo para su propósito original (por ejemplo, un libro), pero que no esté optimizada para un propósito futuro (por ejemplo, un póster de pared grande).
  • Mi pregunta para cualquiera que lea esto es : ¿existe una alternativa a mi actual técnica de “vectorizar todas las líneas y volcarlas en un solo archivo de Illustrator”? ¿Quizás usar un software como InDesign para ayudarme a realizar un seguimiento de todas las páginas de mi proyecto, como se muestra en esta captura de pantalla de Illustrator: http: //www.Stuart McMillen comics / wp-content / uploads / 2015/04 / 2015-04-en-Peak-Oil-artboards-in-Illustrator-large.png
  • Después de que todo el arte lineal está en Illustrator, coloreo la obra de arte usando la herramienta Pluma para hacer formas de colores en una capa ‘detrás’ del arte lineal.
  • Sí, hago esto con el tedioso proceso de hacer clic manualmente, hacer clic, hacer clic en los puntos individuales del lápiz “debajo” del dibujo lineal, hasta que creo un ‘objeto’ de Illustrator que se ajusta detrás de cada cosa que necesita colorear.
  • Esto es probablemente más tedioso que colorear en Photoshop ‘pintando’ el color con un pincel. Pero me da un ‘objeto’ que puedo seleccionar y cambiar de color con un solo clic.
  • Utilizo la función “Guardar para web” de Illustrator para crear archivos PNG de 495 x 700 píxeles, que están optimizados para la interfaz de mi sitio web.
  • Utilizo el software PNGGauntlet para aplastar los PNG hasta el tamaño de archivo más pequeño posible usando el algoritmo PNGOUT.

Entonces: ahí vamos. Mi extraño híbrido autoelaborado de Photoshop e Illustrator.

Creé este hilo de Quora porque no estoy seguro si estoy perdiendo el tiempo con este enfoque que combina Photoshop e Illustrator. Por favor, hágame saber cualquier sugerencia.

También escribo porque no estoy muy satisfecho con la forma en que mi computadora realmente registra los trazos de lápiz de mi Wacom Cintiq. Se siente como ese juego de mesa en el que dibujas un dibujo mientras guías la mano de una segunda persona, que sostiene el lápiz. Por cada buen golpe que dibujo, generalmente tengo que ‘deshacer’ 4 o 5 malos golpes, lo que está causando mis frustraciones. ¿Algún consejo?

Aquí hay algunos recursos que solía aprender sobre los flujos de trabajo de mis héroes cómicos.

Primero, André Franquin. Es el gran maestro de los cómics franco-belgas. Sus obras influyeron en muchos artistas cómicos en Europa y todavía lo hacen. Con Jijé y el periodista Philippe Vandooren, escribieron en 1969 un libro titulado ‘Comentario sobre el creador de bandas dessinées’ con entrevistas recopiladas que explican todo el proceso de creación de cómics. Por desgracia, este libro está agotado y es un artículo de colección. La manera más fácil de leer este libro es a través de una solicitud de ILL (préstamo interbibliotecario) en su biblioteca local (universidad), como lo hice yo. Las bibliotecas de todo el mundo forman una red, por un par de euros / dólares puede pedirle a una biblioteca que preste un libro de otra biblioteca. Si sabes un poco de francés (o tienes paciencia para usar Google Translate), entonces esta es una mina de oro en el estilo de los antiguos maestros.

Luego está Bernard Duc, quien escribió dos libros sobre el arte de los títulos de cómics: ‘L’Art de la BD’. Esto, por desgracia, también está agotado y también en francés. Pero sé que hay al menos traducciones disponibles en otros idiomas para este libro (ya estoy en holandés y escuché sobre una traducción al alemán). Escenario, decoupage, entintado, coloración, tekst, todo lo que siempre quiso saber está disponible aquí. Duc era profesor de cómic en París.


Luego, hay algunas partes sueltas que me interesaron cuando leí: ‘The Complete Maus’ de Art Spiegelman The Complete Maus: A Survivor’s Tale [THE COMPLETE MAUS: A SURVIV’S’S TALE] por Spiegelman, Art (Autor) 19-nov- 96 [Tapa dura]: Art Spiegelman: Amazon.com: Libros donde explica las técnicas utilizadas en la creación de Maus. Y, recientemente, un libro sobre Harvey Kurtzman ‘The Art of Harvey Kurtzman’ The Art of Harvey Kurtzman: The Mad Genius of Comics: Denis Kitchen, Paul Buhle, Harry Shearer: 9780810972964: Amazon.com: Libros. Sin Kurtzman, el mundo del cómic en los Estados Unidos y Europa se habría visto completamente diferente. Creo que es el artista de historietas más influyente, desconocido y del mundo. Todos los que amo adoraban a Kurtzman: Robert Crumb, Spielgelman, Franquin, Morris, Goscinny, …

Existe ‘The Art of Comic Book Inking’ de Gary Martin: Amazon.com: The Art Of Comic-Book Inking 2nd Edition (9781593074050): Gary Martin, Varios: Libros

En cuanto a los medios digitales, no tengo referencias de libros. Las técnicas se aprendieron en la escuela de arte. Pero los canales de YouTube Lummage me parecen muy esclarecedores: página en google.com

También aprendí mucho viendo los garabatos de los grandes maestros. Echa un vistazo a la serie Tic-au-tac para ver a los grandes maestros franco-belgas:

De vuelta a la Tierra, para mis propios dibujos animados hago trabajo mitad analógico, mitad digital. Primero hago un par de pequeños bocetos en un trozo de papel para verificar la composición y luego dibujo sin apretar un boceto a lápiz, sin detallarlo. Me gusta tener algo de libertad mientras entinto. Para la tinta, en estos días uso más y más el pincel Fudenosuke: JetPens.com – Tombow Fudenosuke Brush Pen – Suave – Cuerpo negro y un pincel Da Vinci Maestro Nr 2 con tinta china intensa Nan-King. Estos dibujos con tinta los escaneo a 1200 ppp en modo texto (blanco y negro).

En PhotoShop, primero eliminaré los bits que no me gustan (por ejemplo, limpiar la imagen) y luego los convertiré a través de GreyScale a RGB (o CMYK cuando la intención sea imprimir). En RGB (o modo CMYK) reduciré el tamaño de la imagen a un máximo de 3000 píxeles.

Luego, seleccionaré la imagen completa, crearé una nueva capa alfa, seleccionaré la capa alfa, invertiré la selección para tener una selección de todos los negros. Esta selección la uso en una nueva capa y la relleno con negro. Entonces puedo eliminar todas las otras capas y la capa alfa y tener como resultado imágenes que solo contengan el lineart (no el fondo blanco). Entonces puedo pintar debajo de esta capa o encima de esta capa para agregar color. La mayoría de las veces estoy usando los trucos de la herramienta de lazo que Lummage demuestra en sus canales de Youtube.

Cuando termino, importo la imagen a InDesign para agregar el texto y hacer el diseño final. Desde InDesign puedo exportar archivos que están listos para ser enviados fácilmente a mis clientes.

Para la tableta utilizo una tableta Wacom CTE-440 pequeña muy antigua. No me gustan las tabletas con grandes áreas que no me ayudan a coordinar el control ocular manual. Nunca usé un Cintiq, pero realmente me encantaría probarlo. Un truco que puede hacer para comenzar a aprender la tableta Wacom es colocar un trozo de papel encima de su Wacom. Se siente como si estuvieras escribiendo en papel en lugar de escribir en un pedazo de plástico. Me tomó un tiempo y mucha frustración aprender a usar una tableta. En Illustrator tiene para el Pincel una opción que llamo el modo “anti-Parkinson” para crear líneas suaves. Haga doble clic en el Pincel y tiene dos opciones: Fidelidad y Suavidad. Use opciones como 3 para fidelidad y 50 para suavidad para crear líneas limpias. Dejé de usar Illustrator o Photoshop para entintar porque nunca encontré el lineart que realmente amaba. Las líneas de computadora son demasiado perfectas, necesito algo más “natural”.

Tengo un escritorio normal, pero cuando entinto con un pincel necesito sentarme muy derecho como un pianista, con los pies en el suelo, no en la postura perezosa de navegar por la web. Me lleva unos minutos poner mi cuerpo en un modo de tinta. Tienes que estar muy relajado, calentado. Cuando estás estresado o simplemente entras en tu estudio, no puedes tener una línea estable. Calma primero y toma unos minutos para practicar algunas líneas.

El papel que uso es Steinbach, Canson, al menos 250 g / m ^ 2. Me encanta dibujar un poco grande (mis ojos no son tan buenos), así que si un dibujo debe tener 5 cm de altura, lo dibujo con 10 cm de altura.

Gracias por A2A.

Soy más dependiente de la pluma y el papel para los trabajos iniciales de mis dibujos animados y novelas gráficas. La imagen escaneada se edita utilizando herramientas básicas como photoshop, etc.
El método no es tan profesional, pero es simple y funciona para dibujantes aficionados como yo 🙂

http://www.amazon.in/Chandu-Nand

Describo mi flujo de trabajo aquí (desplácese hacia abajo hasta la entrada del blog de febrero de 2015).

Partes sueltas

Así es como lo hago. No es tan detallado como te gustaría, pero soy un tipo ocupado:
Cómo hacemos Edge City