Todas las demás respuestas están escritas por personas que no son japonesas, así que aquí hay una perspectiva de un japonés.
En primer lugar, comencemos con uno muy obvio. El cómic (occidental) generalmente está en color, mientras que el cómic japonés (manga) está en blanco y negro. Algunos cómics occidentales solían ser b & n, pero hoy en día, los cómics se venden como piezas de arte para ser coleccionados.
Manga, en su número inicial, siempre se imprime como parte de la antología periódica, que es el tamaño de una pequeña guía telefónica impresa en papel reciclado barato. Los tiran junto con periódicos viejos, a veces solo después del final de un viaje en tren desde su casa al trabajo. Vea el color diferente de los papeles visibles al costado de esta revista. Eso muestra que la revista usa el mismo papel reciclado que los periódicos. Esta es la razón por la cual todos los manga están en blanco y negro. Los papeles utilizados para imprimirlo son demasiado baratos. El manga sigue siendo una pulp fiction en el fondo.
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Relacionado con esto está el estilo artístico. En general, mientras que el viejo cómic occidental clásico como Tintín o Asterix o Archie tienen un estilo de dibujo de “dibujos animados”, el estilo de dibujo actual del cómic occidental es más realista y, me atrevo a decir, MEJOR. No creo que la diferencia estilística entre estadounidenses y japoneses sea relativa y cultural. Por ejemplo, compare esto, que es uno de los extremos del extremo …
con un galardonado cómic manga de Nobuyuki Fukumoto
Este chico en serio no puede dibujar. Todos sus personajes tienen cara geométrica con nariz y barbilla triangulares porque no puede dibujar curvas faciales desde diferentes ángulos. No pudo obtener un trabajo de asistente de nivel de entrada para el artista de manga (fue despedido desde el principio y luego nunca trabajó para nadie después). Así que tuvo que atacar solo. Tiene éxito únicamente por su convincente historia y personajes.
Claro, los manga publicados mensualmente, como Blade of inmortal o Berserk (a continuación) son agradables de ver, pero este nivel de detalles técnicos no se puede mantener en la producción semanal. Algunos, como Akira Toriyama, de la fama de Dragon Ball, pueden dibujar pero aún adoptar el estilo de dibujos animados (de una manera agradable, como se muestra a continuación). Pero algunos artistas de manga exitosos en realidad no tienen la habilidad de dibujar adecuada.
Lo que la gente asocia como estilo de dibujo manga / anime no es una preferencia estilística sino económica. Los artistas de cómics estadounidenses tienen el lujo de pasar una semana en una página. El dibujante de historietas japonés tiene que producir continuamente alrededor de 20 páginas por semana para un título, al tiempo que elabora una historia al mismo tiempo. Algunos hacen 80 páginas por semana para varios títulos, pero tal salida requiere el uso de asistentes. Otra razón relacionada para el aspecto de dibujos animados es porque la cara estilizada es mucho más fácil de emular que la cara fotorrealista. Los artistas de manga tienen que hacer trampa, saltar y economizar mucho para cumplir con la fecha límite. (¿Por qué mis maestros de arte lo odian cuando dibujo anime? ¿Qué tiene de malo?). Por otro lado, los personajes de cómics estadounidenses en general ya no son dibujos animados como a continuación porque las franquicias de Marvel y DC ahora están impulsadas y definidas por Hollywood.
Entonces, para muchos occidentales, este villan
no es rival para
Yo, por otro lado, soy opuesto. Puedo leer ingles Y yo (y la mayoría de los japoneses) aprecio mucho la reencarnación de los superhéroes cómicos de Hollywood. Muchos japoneses se interesan en el cómic estadounidense debido a su exposición al cine. Sin embargo, yo (y la mayoría de los japoneses) encuentro el cómic estadounidense casi ilegible. No es que sea ciego a los detalles visuales de su ilustración. A mí, personalmente, en realidad no me gusta el anime en general (con algunas excepciones) precisamente porque es aún más una caricatura que el manga, y el anime a menudo es meramente deliberativo del manga. También conozco el género de la novela gráfica. Me gustó la versión cinematográfica de Watchmen, y la trama de Superman: ¿Qué pasó con el hombre del mañana? leer bien También puedo ver el mérito artístico de Sin City, de Frank Miller. Pero el cómic estadounidense me pareció demasiado doloroso para leer.
En primer lugar, tengo que LEER el cómic occidental mientras veo manga. El término NOVEL gráfico es bastante apto. Hay demasiados textos por cuadro en el cómic occidental.
El cuadro anterior es un ejemplo extremo pero no tan infrecuente. Tiene una cantidad de texto increíblemente densa para un solo cuadro. Puedo apreciar que la ilustración es muy agradable, pero realmente no quiero pasar por esa cantidad de texto para un solo cuadro. El manga es al revés. Tiene un marco pesado y texto ligero.
El manga generalmente mantiene el texto al mínimo, a menos que el autor quiera deliberadamente que los espectadores fijen sus ojos en un marco específico. En tal caso, la escena debe ser estacionaria por el tiempo que lleva leer el texto. Por ejemplo, a continuación es donde un personaje tiene un monólogo en su cabeza. Luego, el autor de manga quiere que los espectadores sientan que están leyendo el personaje. La falta de burbuja de diálogo refuerza aún más la impresión de que el texto está pensado en el personaje.
El artista de manga inteligente utiliza la técnica que se muestra a continuación para que el espectador lea una gran cantidad de texto. Un monólogo malvado de un villano se divide en tres paneles para dar una sensación de tempo.
Pero en el siguiente cómic para mujeres maravillas, hay más que un tema de texto denso. Es un movimiento rápido de la escena de acción punk con “CHUKK”, “CHOK”, “PAK” y “KRAMMMM”. Entonces, ¿por qué está conversando con el monstruo al mismo tiempo durante un minuto? En serio, si solo estoy viendo la página, mi ojo simplemente zig (de izquierda a derecha y luego hacia abajo) en unos segundos. La escena de acción y la escena de conversación están completamente fuera de sincronización.
Compare eso con el manga a continuación. Dos páginas ilustran secuencias enteras de combate, mientras que introducen otra secuencia en la página siguiente con una colisión inminente en un edificio. (Lectura cómica japonesa desde la parte superior derecha a la parte inferior izquierda) Observe también cómo los marcos se cortan en diagonal y tienen diferentes tamaños para puntuar la acción, así como para indicar la dirección correcta de zig y zag.
El dinamismo anterior en el manga se le atribuye a una persona, Osamu Tezuka, padre del manga tal como lo conocemos. Era médico por formación, pero solo se entrenó para convertirse en médico para evitar el reclutamiento militar. También tenía hemofobia (tenía miedo a la sangre). Así que no quería ejercer como médico y trató de ganarse la vida con lo que realmente le gustaba, el cómic. Era un ávido fanático de la animación de Disney, por lo que intentó animar su cómic haciendo lo siguiente en 1947.
Es ampliamente considerado como alguien que introdujo la “técnica cinematográfica” en medio cómico, pero esta declaración es ampliamente malentendida en West. No inventó el “ángulo” cinematográfico (toma de cámara) en el cómic. Muy pocos artistas de cómics estaban haciendo exactamente eso antes que él. Lo que hizo fue sincronizar el tamaño, la forma, la ubicación y la secuencia de cuadros con los movimientos oculares del lector para crear una sensación de dinamismo y drama dentro de la secuencia de imágenes estáticas.
Permítanme demostrar esta idea de “sincronización de tiempo” al mostrar cómo no hacerlo en el siguiente, que es otro ejemplo de hermosa ilustración del cómic estadounidense con gran ángulo cinematográfico.
Fotograma 1: Superman desciende al suelo y captura la escena desde una cámara lateral a larga distancia.
Cuadro 2: en lugar de que la cámara se acerque al superhombre que lo sigue bajando, la cámara cambia repentinamente a la ubicación debajo de él y lo mira. No solo eso, en lugar de que la cabeza de Superman apunte a las 5 en punto hacia el sudeste (lo que indicaría que todavía está descendiendo), su cabeza, en cambio, apunta a las 2 en punto al noreste, volando lejos del fuego en el fondo, lo que da una impresión de que ahora está ascendiendo o volando de lado.
Cuadro 3: Pero, espera, la cámara vuelve al modo de persecución. Entonces él sigue descendiendo. Además, parece que me perdí la parte en la que se volteó, por lo que su pierna ahora apunta hacia abajo lista para aterrizar. Además, no puedo ver a la otra persona que está hablando con Superman. Y, por último, el texto es demasiado largo hasta este punto porque da la impresión de que Superman se ha estado deslizando lentamente, pero la línea roja en el primer cuadro debería significar que Superman está cayendo muy rápido. Este es otro ejemplo de texto y marco que no están sincronizados.
Cuadro 4: Los cuadros 1 y 3 me dieron la impresión de que Superman descendía diagonalmente de izquierda a derecha, pero ahora en este cuadro descendió de arriba a abajo a la izquierda porque la cámara volteó de nuevo. Personalmente, preferí que la cámara persiguiera a Superman, y luego, cuando aterriza, la cámara también aterriza detrás de Superman y gira y mira hacia los lados, capturando la espalda de Superman a la izquierda del cuadro, más cerca de la cámara y atrapando al Batman a la derecha, más lejos de la cámara. Además, si la espalda del superhombre está frente a la cámara mientras que el frente de Batman está directamente hacia la cámara, la secuencia de la escena naturalmente cambiará el enfoque del espectador de Superman a Batman.
Fotograma 5: estoy haciendo una pequeña observación aquí, pero si uno quiere acercarse a la cara de Batman desde el fotograma 4, entonces simplemente debe girar la cámara hacia la derecha, que continúa hasta el siguiente fotograma donde alguien ingresa desde la derecha con el diálogo ” nada es simple “, donde la cámara puede seguir girando hacia la derecha. (Además, ¿por qué Superman de repente está tan cerca de Batman y asoma la cabeza como si estuviera haciendo una fotobomba?)
Cuadro 6 (la foto principal): Wow, ¿Batman se teletransportó a la izquierda de Superman? En el cuadro anterior, la Mujer Maravilla entró en la escena desde la derecha. Y el cuadro 3 anterior parece confirmar que ella está parada en el podio circular que está a la derecha. Entonces la cámara no se ha volteado como la última vez. Ahora Bruce se encuentra a la izquierda de Superman.
Sin embargo, todavía me gusta cómo se ve la pieza central de esta página. Es una gran entrada de otro personaje principal, la Mujer Maravilla, con un tiro ancho que también captura a Superman y Batman con una sensación de profundidad. Y con este agradable ángulo de cámara, todos los ojos (Batman, Superman y los lectores ) se centran en ella, anunciando su aparición con una línea, “Ninguno de nosotros lo hace, Bruce”.
¿Esperar lo? ¿Qué quiere decir ella con eso?
Oh, está bien, debería haber movido mis ojos al lado más alejado de donde mi atención se dirigía naturalmente, donde Bruce dice “No perteneces aquí, Diana”. Entonces, no solo Batman se teletransportó inexplicablemente más lejos de la posición de donde los ojos de la gente están enfocados, sino que obligó a retroceder el tiempo hacia atrás para el espectador, luego hizo que el lector / espectador mirara su espalda en el extremo opuesto del marco para leer su discurso, arruinando efectivamente el momento (y el impulso) de la gran entrada de Diana. Nunca trabajé en Tinseltown, pero si fuera un ejecutivo de estudio que viera esto, sería como “¿Quién diablos hizo esta escena? ¡Esto es peor que un proyecto de secundaria! ”.
En términos de detalles visuales, las tiras cómicas de DC anteriores son excelentes, pero como una escena visual secuencial, es un gran desastre de mentalidad visual. La edición es realmente terrible. La cámara se voltea con demasiada frecuencia sin una buena explicación. Los textos no están sincronizados con la dirección del movimiento del ojo.
Si tuviera que arreglar esto, habría hecho volar a Superman de lado a lado de izquierda a derecha, en lugar de descender de arriba a abajo. Entonces, en el cuarto cuadro donde la cámara está detrás de Batman, deberíamos ver a Superman deslizarse hacia la cámara y Batman en lugar de bajar de derecha a izquierda. En el cuadro principal, Bruce debería haber mantenido la boca cerrada y dejar que Diana dijera algo dramático justo después de “Nothing’s simple”. Entonces debería haber usado la línea “No perteneces aquí, Diana” en el Cuadro 7 en la parte inferior izquierda, y Diana podría haber contrarrestado eso en el Cuadro 8 con “Ninguno de nosotros, Bruce”.
Compare lo anterior con lo que hizo Tezuka en 1947 nuevamente.
que se ha convertido en esto en el siglo XXI (me gustaría agradecer a Quora User que proporcionó esto en su comentario).
Pero Tezuka hizo más que convertir un cómic en una conversión gráfica de entretenimiento filmado. Su mayor innovación fue su uso radical de paneles (komawari, lit: división de cuadros).
En las dos páginas anteriores distribuidas por Tezuka (comienza desde arriba a la derecha y termina con la parte inferior izquierda para cada página), un chico mira a una multitud desde una terraza, y luego ve a una dama. Sus ojos se abren de sorpresa, pero ella se está alejando, él grita “¡Hola!” Al final de la primera página. Luego, en la segunda página, los paneles convencionales se rompen. El hombre comienza a correr hacia la esquina del triángulo, bajando las escaleras tratando de atrapar a la dama antes de que desaparezca. La página de la izquierda da la impresión de urgencia y desesperación, porque la forma del panel hace que el personaje se estire en una esquina más estrecha, donde el espectador siente la sensación de estar tan cerca pero tan lejos. Tezuka sincronizó no solo el tiempo, sino también la forma, el tamaño y la ubicación del marco como parte de la dramatización. Este innovador experimento en paneles alejó el cómic de la mera conversión gráfica del drama filmado y lo convirtió en un medio narrativo distinto.
Por ejemplo, a continuación hay una propagación de un cómic de fútbol / fútbol de secundaria muy popular en la década de 1980 por otro escritor de manga. Ha habido varios mangas de béisbol antes, pero este fue el primer manga de fútbol que fue un éxito masivo. El béisbol es un deporte en el que dos equipos se turnan para batear y fildear. Tiene una clara fase de ataque y defensa, lo que facilita la dramatización de la acción. (como la Major League de Charlie Sheen). El fútbol, por otro lado, es un deporte muy complicado para convertirlo en un drama porque el juego no se detiene, no hay lados claros de ataque / defensa, y suceden múltiples cosas de forma continua y simultánea.
Así que déjame explicarte qué está pasando con el fútbol. La historia hasta ahora es que el equipo del héroe está perdiendo por un punto cerca del final del juego, y la oposición cambió a tácticas fuertemente defensivas, con la esperanza de llevar el juego con 1 ventaja de puntaje. El equipo del héroe está desesperado por penetrar en la línea defensiva de la oposición, pero está fallando. Y para colmo, su (nuestro) héroe delantero, Tsubasa, se ha retirado de la línea del frente al medio campo porque sufrió una lesión en el hombro izquierdo y los pies izquierdos. El equipo del héroe está casi al final del ingenio.
1) Los primeros 3 cuadros en la parte superior derecha es donde los delanteros ofensivos de los compañeros del héroe están pensando “Esto es impenetrable”, “Tenemos que cambiar el juego” y “Enviar la pelota de regreso a Tsubasa, el creador del juego”. Si bien estos textos se leen secuencialmente, en realidad se ven simultáneamente como un solo metamarco.
2) Entonces, un compañero de equipo le devolvió el balón a Tsubasa (el héroe), con un texto de pensamiento que decía “Estás herido pero todavía creemos en ti” (esta es la parte donde la línea visual se mueve horizontalmente de izquierda a derecha). El bocadillo en el medio derecho de la página, que tiene forma geométrica recta en lugar de burbuja redonda, es un discurso narrativo del comentarista: “¡Esperen, pasaron la pelota hacia atrás?”
3) Esto es seguido por la reacción del equipo oponente en la parte inferior de la página derecha, siendo retirada por el movimiento. “¿Qué?”, ”¡Oh, no!”, Y el discurso narrativo del comentarista “¡Mira, el lado defensivo dejó a Tsubasa sin una marca! ¡Se está moviendo! ”, Que se combina con la cámara tomada desde arriba y la parte delantera de nuestro héroe moviéndose hacia la pelota.
La cámara se acerca a la cara del héroe en el centro superior de la propagación. Las líneas de movimiento de este primer plano indican que está avanzando a una velocidad considerable. La mente del héroe está gritando “¡The Dive Shoot! ¡Hay una abertura en la parte superior derecha de la portería! ”.
4) La línea del ojo se mueve desde el pico hacia la izquierda, esta vez capturando todo el cuerpo de Tsubasa haciendo el Disparo de buceo, su pierna derecha casi invisible con velocidad, a punto de lanzar el ataque final de Hail-Mary con su súper disparo. (pasa por encima de la defensa súper rápido pero justo antes de la portería, la pelota se sumerge repentinamente, haciendo casi imposible que cualquier portero intercepte. Super tiro ficticio completo pero la audiencia principal era preadolescente). Al mismo tiempo, allí Hay dos onomatopeyas colocadas en el hombro izquierdo y el pie izquierdo que indican que las partes del cuerpo lesionadas crujen y están casi a punto de romperse. Además, el comentarista está gritando con dos burbujas de discurso alrededor de las piernas del héroe, “¡¡¡ESTÁ A POR EL OBJETIVO !!” y “¡¿PUEDE HACERLO ?!”, entonces el último cuadro señala al portero del oponente (más o menos rival / villano en este cómic) gritando “¡Adelante! Mi mano derecha lo detendrá ”, lo que luego conduce a la próxima nueva propagación.
En esta extensión, las acciones físicas, el drama psicológico y el diálogo / narrativa se presentan simultáneamente en una sola extensión visual y los personajes están literalmente saliendo de sus marcos. A pesar de que esta extensión contiene 10 cuadros y está repleta de una cantidad de texto relativamente grande, en realidad solo hay 3 meta cuadros separados por dos líneas azules que se muestran a continuación y cuatro fases narrativas clásicas: 1. Arranque, 2 Movimiento, 3 Giro y 4 Convergencia ( Kishōtenketsu) mostrado por las líneas rojas. Esta presentación narrativa ya no es una presentación pictórica de una escena filmada de naturaleza secuencial. Múltiples hilos de drama se presentan simultáneamente en una sola extensión. De hecho, odiaba la versión animada de este cómic porque el pensamiento, el diálogo y el comentario narrativo del personaje, una vez puestos en secuencia animada, eran demasiado largos y mataron el ritmo de la acción. (Raramente me gusta la versión animada de cualquier manga).
Lo anterior ya no es una narración lineal secuencial tipificada por la película. El cómic, con su uso dinámico de paneles, puede agrupar múltiples hilos de desarrollo dramático en una sola extensión. Esto hace que el cómic sea un medio narrativo único, separado de la novela y del cine. Entonces, cuando veo un panel como el siguiente, es un verdadero dolor en los ojos. Es dolorosamente plano. Es como si una película se hiciera simplemente fijando una cámara frente a un escenario de teatro. Y la cámara nunca se mueve, ni de cerca ni de lejos.
Y para colmo, el cómic estadounidense generalmente muestra muy poco sentido del diálogo (y la emoción que conlleva). Por ejemplo, debajo de las tiras hay algo que apareció recientemente en la BBC sobre la mujer maravilla que finalmente salió como bisexual. Realmente me gustan los ojos / miradas de Diana en el primer cuadro, que es triste pero empático y cariñoso. Aquí tengo una queja habitual sobre la mujer rubia hablando demasiado tiempo en un solo cuadro. Pero mi mayor queja es que esta escena podría ser mucho más.
Contraste la tira de arriba con la fanfiction de Doraemon, que se hizo viral en Japón.
Cuadro 1 Doraemon: “Nobita-kun”
Cuadro 2 Nobita: “¿Qué es?” (Nobita en el cómic real es un niño en una escuela primaria. En este fanfiction, es un adulto de pelo gris arrugado).
Cuadro 3 Doraemon: “Todavía podríamos hacer cosas. Podríamos ir a cualquier parte y volar a todas partes, como en los viejos tiempos ”. (Doraemon es un bot de dispositivos, y sus dos dispositivos principales son la puerta de teletransportación y la tapa del helicóptero volador, que salen de su bolsillo subespacial ubicado en su barriga, visible en este marco.)
Cuadro 4 Nobita: “No necesito aparatos … Estás aquí ahora “. Doraemon:” ¿Es así …… “.
Cuadro 5 Nobita: “En lugar de eso, hablemos de viejos tiempos hasta que me duerma”. “¿Podrías, por favor, Doraemon?”
La siguiente página es
Cuadro 1 Dorami: Bienvenido a casa hermano. (Dorami es la hermana menor de Doraemon. Ella vive en el futuro, así que sabemos que Doraemon ahora está de regreso en el futuro).
Cuadro 2 Dorami: “¿Le has dicho adiós?” Doraemon: “Sí”.
Cuadro 3 Drami: “Ya veo, así que no vas a volver a esa época”. Doraemon: “No”.
Cuadro 4 Draemon: “Nobita no estará allí”. Cuadro 5 Draemon: “Se ha ido para siempre ……”
Ahora, en este punto, todo en la primera página tiene sentido. Page 1 estaba en el hospital y Nobita estaba en su lecho de muerte. La tira podría haber comenzado con algo parecido al cuarto fotograma y repite la toma de la cámara con un diálogo de ida y vuelta. Eso sería similar a las tiras de Wonder Woman. En cambio, a los espectadores se les presentan 3 marcos de primer plano, que brindan un ángulo inusual de Doraemon hablando con Nobita mientras mira hacia otro lado y mira hacia su propia mano porque Doraemon no puede soportar mirar a Nobita. Y todavía está tratando de hacer feliz a Nobita adulta como en los viejos tiempos con su dispositivo porque no sabe qué más decir en esta situación. Nobita, por otro lado, ya ha aceptado su destino. Puede mirar directamente a Doraemon y ya no le preocupan los artilugios. Todavía pide un deseo como lo hace en cada episodio, pero de diferente tipo hoy.
En la tira de Doraemon, la muerte inminente está implícita pero no se menciona. La incomodidad de dos también se expresa cuando Doraemon mira hacia otro lado, y toda la secuencia de fotogramas empuja suavemente el enfoque de los espectadores hacia la mano de Doraemon que Nobita toca física y emocionalmente en el último fotograma, con el característico “Por favor, Doraemon”. Además, tenga en cuenta que el dibujo a lápiz es deliberadamente más áspero y la sombra más profunda en la última escena de la mano porque, cuando Nobita dice su firma de un trazador de líneas, el tiempo se congeló por un breve momento para dos de ellos. Esta es una escritura cómica efectiva a pesar de ser mostrada en toons en blanco y negro.
Imagínese, lo que no se dice en lo anterior se explica explícitamente por el diálogo. Doraemon: “Nobita-kun, ¿no tienes miedo de morir?” Nobita: “He aceptado mi destino. Hablemos más bien de los viejos tiempos. ”No solo esta versión del diálogo menciona la palabra” D “que no se puede mencionar, Doraemon pregunta directamente a Nobita como si realmente no le importara. Del mismo modo, la rubia en las tiras de Wonder Woman dice “Y eso me rompería el corazón” en voz alta. Entonces sabemos que en realidad no le importa. Está “decepcionada” con seguridad, pero obviamente no es gran cosa para ella. Además, cuando expresó explícitamente que “sacrificas tu lugar en el paraíso y todo lo que viene con él”, el sacrificio de Diana en realidad no suena tan mal. El diálogo de la mujer maravilla es plano y la escena no tiene profundidad emocional. El lector no sentirá el dolor de la separación.
Es Film Study 101. Si algo tiene que explicarse al público con palabras, entonces el cineasta no está haciendo un buen trabajo. Además, es Creative Writing 101. Si, por ejemplo, va a describir una escena en la que una mujer hermosa entra a una habitación, entonces no la describa como “hermosa”. Describe cómo brillan sus cabellos o qué tan largo es, la profundidad de su mirada, su ceja / pestañas, su equilibrio o la reacción atónita de las personas en la habitación, pero no menciones la palabra B, porque eso matará el estado de ánimo. Los personajes de cómics estadounidenses generalmente no tienen un diálogo adecuado porque están demasiado ocupados explicando lo que está sucediendo a los lectores para llenar el vacío entre las imágenes.
Compare esto con la colección de manga sin habla de todo el mundo
セ リ フ な し。 絵 と 演出 力 で 勝負 す る マ ン ガ コ ン テ ス ト が 凄 い – NAVER ま と め
Centro de prensa (los ganadores obtienen su cómic animado o se transforman en cortometraje. SMA01. SMA02. SMA03. SMA04. SMA Extra Round 2016. SMA05. SMA6. SMA Extra Round 2017)
Entonces, para responder la pregunta original, el cómic estadounidense tiene un valor de producción muy alto en comparación con el manga. El cuerpo y la cara de los personajes son anatómicamente precisos y esculpidos como la estatua griega y el dibujo de fondo también es grandioso, todo en detalles y en color. Las tramas suelen ser serias, reales y artísticas. En general, el cómic estadounidense se ve excelente. Sin embargo, los personajes no se mueven, no se emocionan, los diálogos son incómodos, la cámara funciona es terrible y la edición no tiene idea de cómo ve el lector la difusión. Todo esto se debe a que el cómic estadounidense es esencialmente un libro de cuentos ilustrado para adultos.
El manga japonés, por otro lado, tiene un valor de producción terrible como arte ilustrativo. Es esencialmente un dibujo en blanco y negro con los personajes de Mickey Mouse impresos en papeles reciclados que se tiran como periódicos viejos. Sin embargo, los personajes pueden emotear adecuadamente, la acción es dinámica, el drama tiene un diálogo con la sutileza adecuada (bueno, al menos un buen manga), y crucialmente para el cómic, todas las historias se narran visualmente en lugar de por texto . Sientes sonido, acción y emoción en el manga. Y no es solo una versión eliminada de una película, sino que puede narrar la historia de una manera que solo el cómic puede.
Y realmente no hay necesidad de que el cómic estadounidense se atasque en su paradigma actual como arte ilustrativo. La dirección actual de hacer cómic como artículo de coleccionista está empeorando porque se gasta más tiempo y esfuerzo en un menor número de ilustraciones para que la ilustración se vea bonita, mientras que los textos tuvieron que usarse generosamente para llenar el vacío narrativo. Hay una gran brecha en la salida creativa para los occidentales que aspiran a ser narradores. O escribes novela o escribes guión (directo). Y el medio filmado es generalmente prohibitivamente costoso. En Japón, el manga como historia gráfica se encuentra entre la historia escrita (es decir, la novela) y la historia filmada (es decir, TV / Película / Animación). El cómic puede coincidir con cualquier género de novela o película, pero el costo de producir una historia de manga es tan barato como escribir una novela, especialmente con el advenimiento de la PC. Muchos autores de manga comienzan a hacer manga cuando están en la escuela secundaria porque cualquiera, incluidos aquellos que no pueden dibujar bien, puede crear manga.
El cómic estadounidense no necesita simular el estilo de personaje de disney / manga / anime para transformar su medio en arte narrativo. Los personajes de ojos grandes son un efecto secundario de la fecha límite de producción semanal, y no se trata de manga (y cómic). La esencia del cómic está en sus paneles (komawari) y no en el estilo de la ilustración. Además, los artistas cómicos estadounidenses tendrían la ventaja de no verse limitados por la presentación en blanco y negro del manga japonés, que está relacionado con el tema específico japonés de ser pulp fiction. Con suerte, alguien encontrará una manera de llenar el vacío que existe entre la historia narrativa filmada y escrita en los medios de comunicación en inglés (y preferiblemente hacerlo en color). Manga solo significa cómic en japonés.